viernes, 29 de mayo de 2026

Doce poemas de César Seco


Título: Déjame tocar para ti (2017)

Autor: Asdrúbal Farías 


El poeta es libre por naturaleza; la poesía, que es su vida, es su dignidad.

César Seco 


1.


Aparecido


Quien me vea por estos sitios

sabrá que sigo siendo otro.

No el que vieron en el café

saludando a un par de amigos

melenudos sonriendo desde

un viejo poster de los sesenta.

Estaré adelante, desvanecido,

con la huella del hacha en el

entrecejo y la mirada quieta

de quien elegía el encierro

dado del todo al silencio.

Sentado entre las líneas que

esa mudez iba dejando en

una caligrafía entrecortada.

Quien me vea andando ya a

otra parte, siga el rastro sin

darse por enterado que soy el

soplo fugaz que arrastra y eleva

esta hoja. Sin nada ni nadie

por asunto, desentendida de la

bocina de los autos.


2.


Jazz epilepsial


Una clara melodía escurre el viento.

Las arenas arremolinan

la carrera de la previa quietud.

El brazo izquierdo y su breve temblor.

La cabeza perdida en la distancia

desconocida donde no se pertenece.

Los pies en el aire bailan la danza

del salto a otro lugar.

Llueve en no sé dónde

y en no sé qué está escampando.

Solo sé que volveré a mis huesos.

A los que llevo esta luz para desalojar.

Iniquidad dejo en manos del redentor.

El cielo estrena una piel

que no puedes ver,

antes que todo sea bebido de un sorbo

por el convulsionado saxo de Coltrane

y hable el temblor todo

con sus tuercas desajustadas.


3.


Nadie


Volveré por esa calle donde nadie

me recuerda y todos me conocen.

Caminaré por esta otra donde me

ignoran y ninguno sabe nada de mí.

Atravesaré aquel callejón oscuro y

tal vez el ojo que me sigue sólo vea

la sombra que la escasa luz de ese

poste fija en la esquina pensando

a dónde ir.

Estaré allí esperando

nada o esperando todo. Acaso sea

la calle contigua la que me lleve a

ese otro lugar distinto a donde iba

y no llegué. 

La vida no se detiene

a esperar a nadie. 

Sólo puede mirarme

de reojo mientras paso, pero no es

su ojo lo que anhelo, lo que persigo

es el olvido que no aparece mientras

sigo, aunque lo presienta caminando

adelante distraído o sospeche ya que

no existe porque no me ha visto.


4.


Actor


Ando por la piel del día

en que me espero sentado a la puerta

de un café, con el cuaderno abierto en la

página donde no hay nada escrito aún.

Lo que ha de ocurrir sucederá en tan sólo

unos segundos. 

Hay alguien dentro de mí,

alguien que no soy, que me ocupa y dice

lo que jamás diría yo. 

Llega y no me puedo

resistir. 

Sólo escuchará si hablo de él. 

Es cosa de ya, pero sólo él sabe que ha estado

ocurriendo. 

La escena ha de quedar bien

ante el ojo luminoso que nos proyecta en

la pared, ahora, sueño visible, acción.

No la bala directa que viene a mi cuerpo

y se aloja antes que tú puedas verme caer,

sino, a un mismo tiempo, ese que cierra

la puerta. 

Puedo ver su silueta desgajada

en la ventana, así.

Estoy en ninguna parte

hablando a nadie sobre nada.


5.


Calle

 

Puedo vivir en cualquier ciudad, 

pero mi calle es esta.

Vengo de ella, me hice en sus escondrijos 

y aceras, en ella corrí por primera vez 

y di con otros la vuelta

un día de lluvia que mis manos se volvieron 

viejas. Aquí tuve perro, trompo y metras.

Subí al techo a ver pasar los ángeles 

en silencio, con en el alcanfor que madre me puso 

en el pecho. La calle me sigue a donde vaya.

Ahora que cruzo una avenida del mundo. 

Ahora que estoy lejos y apunto el color de sus 

casas. No se me olvidan las negras altas 

que subían y bajaban con una cesta de flores 

en la cabeza. Ahora que se borran 

los compadres que en la esquina 

se apuñalaban por ellas, como aquél que sostuvo 

sus vísceras tal un pliego escrito afuera

hasta que besó suelo, o aquél otro que limpió 

el filo del cuchillo con el puño  

de su camisa blanca. A esta calle vuelvo 

cada vez que soy el niño que iba de la mano 

de su madre, despierto.


6.


En medio de la nada


 

Una carretera parece no terminar

sin que una estación de gasolina aparezca.

El murmullo de la ciudad ya no se oye.

Sólo tunas, abrojo, polvo, rocas.

A quien buscas no está y quien responde

es tu propia voz en tu cabeza.

Cuánta sospecha trajo el zigzagueo 

de los saurios cuando te desnudabas 

para ir al baño no sin antes silbar 

la canción de Bobby Vinton

Plees love me for ever, 

con ese desgano en que no reconocías 

paredes ni espejos.

Quizá, puede ser, tal vez, acaso.

La lengua es aquí indeterminada.

¿Quién es ese que te persigue? 

¿Qué quiere de lo que queda de ti?

¿Podrías decir que se trata de tu igual? 

¿Él y tú, uno delante del otro?

¿Puedes ver en su pupila tu miedo?

Todo esto te aguardaba. Llegado aquí

solo la oración puede devolverte

a donde estabas antes de venir.

Nadie te puede ver, nadie sabe quién eres.

Todo fue sin que te percataras,

estás vivo y muerto, lo mismo da.

Conténtate con saber que esto no existe,

que no hay nada donde fijar tu ojo,

que todos se han ido para olvidarte.


 7.


Jazz de las gandolas


Las gandolas atraviesan la noche 

llevando la necesidad puntual 

o la más onerosa vanidad.

Las he visto partir haciendo sonar 

la orquesta de sus motores 

al lado de somnolientos autobuses. 

Acelerando el saxo de sus bujías, 

el clarinete de sus radiadores, 

el trombón de su pesada carrocería.

A sus choferes se les conoce el ángel 

por la abismada pupila, por sus ropas 

impregnadas de monóxido y gasoil, 

por el desdén en el trato con los que 

les son indiferentes en las desveladas 

estaciones que aguardan en el camino. 

Hablan una jerga de pedestres palabras. 

Silban canciones si el destino se alarga 

y el monótono bostezo de la brisa 

los inunda de sueño o descompone. 

Llevan por valija recuerdos de cuando 

no eran tránsito y era grato el calor 

de los hijos y la mujer que los espera. 

Pernoctan donde la noche los venza, 

en colgaduras de chasis y remolques.

Son antiguos guerreros despeñados,

gente que habita un solo lugar: 

la carretera. Habrá fiesta cuando 

regresen, si regresan, si la promesa 

de Ulises era cierta.


8.


Blanco


Saber que no se puede escribir es una forma de escribir.

Robert Walser



No estoy diciendo lo que voy escribiendo. 

No voy escribiendo lo que estoy diciendo. 

Escribir nada delante de nada que pide ser 

llenada de nada. Nada escribo y, esto, ya, 

es nada, nada: escritura de nada, nada, sin  

nada escribiendo nada.


9.


Jazz de la valija


En esta esquina he de abrirla.

Tal vez esté allí un tibio sol 

esperándome callado.

Le hablaré de cuánto anduve 

o dejé de andar en el propósito.

La verdad que obtuve de la noche

y su invisible gravedad tal una leve

composición escrita en mis huesos: 

letra que nombra a mi sentido.

Sílabas que dieron paso a esta frase. 

Aprehensiva velocidad de cuanto 

no dijimos en ella o guardamos.

Elegido humo de lo precario,

adolescente brisa y su miga de nada.

Subiste al ring envestido por tu peor 

enemigo: turbina de una enfermedad 

que tregua no te ha dado desde niño. 

Cifraste la melodía entre las vueltas

que daba tu rostro entre caída y caída, 

levantamiento que deleita todo derribo.

Me dijiste que no era grande 

ni pequeño, que sólo era.

El instrumento estaba ahí.

Esperaba la voz que le atendiera.


10.


El río


El río me deshace la voz.

Yo entro. Yo salgo. Yo soy el tiempo.

La boca se me hace agua.

Estoy llegando por un camino largo 

que lleva a los azules del cerro.

Un mango: dulce su pulpa

y adentro la semilla discreta.

Yo entro. Yo salgo. Yo soy el tiempo.

Los ojos se me vuelven barro.

Para el clavado la piedra más alta.

Estoy en el fondo de sus aguas revueltas.

El quiebre de cuerpo ha de ser antes que 

el rostro vencido de los ahogados

se me adelante y pida me quede 

a cantarle al musgo, a los peces, 

la canción titilante del recuerdo.

Mis brazos se hunden en el tiempo,

cuentan las pisadas de Pedro

antes que fuera hecho.

Yo entro. Yo salgo. Yo soy el agua. 

Tinta invisible sobre un papel dejo. 

Mi río está muerto. Ya no es el mismo

que desnudaba lentamente mi cuerpo.

Sólo vuelve a la ciudad cuando llueve

vestido de escombros dando vueltas.

Mis pasos sobre él andan inversos. 

Ayer que sólo tendrá hoy en este poema.

 

11.


Voz


Permíteme unas palabras ahora cuando callas

y te demoras en venir.

Entre tú y yo hay un pacto de oído y boca.

Debo silenciarme cuando hablas y ser tu escucha.

Es el temblor de estas manos lo que te anuncian.

Esta sed irrecusable de verdad lo que te atiende.

Dime si me he desentendido de tu eco.

Si por serte fiel te he faltado.

Callarme en lo que callas. Decir lo que dices.

No es solo a mí a quien te diriges

y la verdad que me obsequias incluye al Otro.

El fogón donde mi madre tuvo lumbre de brasa

cuando el brillo de sus ojos se apagó.

O bien, el árbol que plantó mi padre con sus manos

y el polvo del camino por donde un día 

sus pasos de largo siguieron hasta no sé.

Tú te dices en las cosas, muda. Tú me dices.

Volvamos al principio, cuando no existía

y tú sólo eras el rumor de los astros lejos.

El fuego que el tiempo escindió.

Déjame seguir escuchándote. Déjame.

Sólo tú dirás hasta cuándo.

Y yo callaré contigo, sin afán, sin asombro ya.

Agradecido.

 

12.


Palabras


 Was sich in der Sprache spiegelt kann ich nitch mit ihr ausdrucken*

Wittgenstein, Diario, 1915


            

Hay palabras que nos desdicen y a su 

vez son las que mejor nos dicen. 

Me doy a oír lo que dejan al callar y, 

no obstante, revelan el tránsito que

las trajo a mí, solas y pronunciantes.

Las palabras hablan desde el silencio 

que las precede. Espero de ellas sólo

el breve decir de lo que nombran. 

Mirar las estrellas desalojando su brillo 

y, lo invisible, traduzca en infinito lo 

visible, asible, a partir de una sílaba. 

Amo este decir, puede asistirme en la 

oscuridad, servirme de lámpara en el 

camino por el que voy unas veces y 

otras vuelvo, amparado en ellas. Sí. 

Las palabras flamean antes de apagar 

el espectral vacío por donde vuelven. 

Si me pregunto de dónde vienen, diría 

que de lo que impronunciables revelan_ 

este claro en que puedo decir lo que 

dejan en mí viajando por dentro. La voz

que sigo leyendo en la página/ en la 

anterior/ la que estuvo/ y en la siguiente/ 

como lo hará, sin que llegue a saber 

cómo y cuándo.



*No puedo expresar con el lenguaje lo que se refleja en el lenguaje

jueves, 28 de mayo de 2026

Redbuay emprende un viaje renovado por su historia musical

-Rafael Ortega-


El músico venezolano Roberto Sánchez, artísticamente conocido como Redbuay, anunció el lanzamiento de su sexto álbum de estudio titulado homónimamente Redbuay

Más que una nueva producción discográfica, esta obra se presenta como un recorrido profundo por su propia evolución musical, trascendiendo lo convencional para ofrecer un recopilatorio reinterpretado y adaptado a su identidad actual.

El nuevo trabajo reúne 16 canciones que han marcado la trayectoria del artista. Cada una de ellas ha sido regrabada, producida y trabajada con un sonido completamente renovado, logrando una propuesta más madura, potente y emocional que promete cautivar tanto a sus seguidores de siempre como a las nuevas audiencias.


Entre el origen, la espiritualidad y las historias reales


El repertorio de Redbuay logra un equilibrio perfecto entre el pasado y el presente. El álbum rescata composiciones emblemáticas como “Asesino” —una de sus primeras creaciones— y “Es que tu amor”, una pieza de fuerte contenido espiritual que hoy renace con una nueva profundidad sonora.

Asimismo, el disco sorprende con temas inéditos de gran valor histórico, como “Era un lunes”, una de las primeras canciones que compuso en su vida y que permanecía guardada, rescatando así la esencia más pura de sus inicios.

La conexión emocional es el hilo conductor de esta producción. Destaca el tema “Me gustas”, una canción que adquirió un valor especial en la carrera del artista tras convertirse en la banda sonora de una historia real de amor, donde un fanático del reggae la utilizó para comprometerse formalmente. 

Por otra parte, la carga más íntima y honesta del proyecto llega con “Toda la eternidad” y “Como yo”, ambas composiciones dedicadas a la madre del artista.

El disco se consolida como un repertorio diverso que mezcla amor, reflexión, vivencias personales y crítica social a través de temas como “Cuánto más”, “Si tú no estás aquí”, “Discriminación” y “Hasta que duró”, los cuales reflejan distintas etapas emocionales y creativas del autor.

Colaboraciones y proyección internacional


Producido y masterizado en Santiago de Chile, este álbum reafirma el crecimiento artístico de Redbuay dentro de la escena musical de Latinoamérica, Europa y el resto del mundo.

La producción también celebra alianzas y momentos clave de su carrera, incluyendo colaboraciones con figuras de la escena como Bongo Yeyo (Zion TPL) y Dadda Wanche (desde las Islas Canarias), quienes aportan su talento en los temas “Si te gusta la danza” y “Lady”, respectivamente.


Un nuevo punto de partida


Con este lanzamiento, Redbuay no sólo celebra el pasado, sino que lo transforma. Este álbum reafirma su identidad y muestra su evolución sin perder la esencia que lo ha acompañado desde el primer día. Además, sirve como plataforma de proyección hacia nuevos escenarios; el artista ya prepara futuras presentaciones en vivo donde estas 16 canciones volverán a cobrar vida frente al público, en lo que el propio Redbuay define como el marco de su primer gran showcase o la consolidación de su primer disco oficial.


Coordenadas del lanzamiento


Redbuay estará disponible próximamente en todas las plataformas digitales. El estreno oficial está programado para el sábado 6 de junio de 2026 a las 6:00 AM (Hora de Santiago de Chile).

Granos de sonido (XVIII)

 


-Roberto Santana- 


El tizne en el metal: Ensayo sobre el carbón, el acero y la redención en Blue Train


Intentaré despojar a este álbum de la pátina del mito y observarlo como lo que realmente es: el registro fonográfico de una crisis resuelta a través del orden, el rigor técnico y la purificación espiritual. Sólo así se puede comprender su verdadero impacto. Cuando John Coltrane llegó a los estudios de Rudy Van Gelder en septiembre de 1957 no se trataba de cumplir con una sesión rutinaria; Coltrane iba a edificar las bases de su emancipación artística.


El umbral de una época: Estados Unidos en los confines de 1958


La atmósfera que respiraba el jazz a finales de la década de los cincuenta estaba marcada por profundas tensiones geopolíticas y domésticas. Los Estados Unidos se encontraban en plena ebullición de la Guerra Fría; el lanzamiento del satélite soviético Sputnik en octubre de 1957 había quebrado la autocomplacencia científica del país, instalando una paranoia colectiva que coexistía con una marcada recesión económica entre 1957 y 1958.

En el plano social, el Movimiento por los Derechos Civiles experimentaba un punto de inflexión con la crisis de los "Nueve de Little Rock" (un enfrentamiento histórico de 1957 en Arkansas, Estados Unidos, originado por la resistencia del gobierno estatal a permitir que nueve estudiantes afroamericanos ingresaran a una escuela secundaria exclusiva para blancos) en septiembre de 1957, donde la integración escolar en Arkansas fue resguardada por tropas federales.

Culturalmente, el arte afroamericano estaba dejando atrás la categoría de mero entretenimiento nocturno para exigir su validación como alta cultura institucional. En este entorno de urgencia política y afirmación identitaria, la música no podía ser ligera: requería un peso formal, una gravedad técnica y una verdad estructural que reflejara la complejidad de la experiencia urbana negra en el norte del país.


La caldera del hard bop: El pulso rítmico de Nueva York


Hacia la segunda mitad de los cincuenta, el panorama del jazz neoyorquino experimentaba una clara bifurcación. El cool jazz, con su estética cerebral, relajada y predominantemente blanca asociada a la Costa Oeste, empezaba a perder terreno frente a la contraofensiva del hard bop. Este estilo, gestado en los clubes de las grandes urbes industriales, operaba como una respuesta directa y vigorosa que regresaba la música a sus raíces que volvían a nutrirse en el suelo fértil de la diáspora africana.

El hard bop de esos años integraba de manera orgánica los elementos del blues profundo, las cadencias del gospel de las iglesias negras y la sofisticación armónica del bebop clásico de los años cuarenta. En 1958, la escena había alcanzado un estado de madurez óptimo; los ensambles ya no dependían exclusivamente de la velocidad pirotécnica, sino que buscaban un sonido más denso, arreglos de metales más deconstruidos y un pulso rítmico marcadamente acentuado y físico, liderado por bateristas y contrabajistas que empujaban las líneas melódicas hacia terrenos de una enorme exigencia motriz.


Purificación y renacimiento: El giro biográfico de Coltrane


El año 1957 fue el momento en que se decidió el destino de John Coltrane. En la primavera de ese año, su severa adicción a la heroína y el alcohol provocó que Miles Davis lo despidiera de su célebre quinteto, una decisión que dejó al saxofonista en una suerte de limbo profesional. Lejos de hundirse, Coltrane se recluyó en la casa de su madre en Filadelfia para someterse a un proceso de desintoxicación total y autodirigido. Este periodo no sólo supuso una victoria física, sino que detonó un profundo despertar espiritual y religioso que transformaría su ética de trabajo.

Limpio y con una disciplina técnica que rozaba la obsesión, Coltrane regresa a Nueva York en el verano de 1957 para integrarse en el cuarteto del pianista Thelonious Monk en el Five Spot Café. Esta pasantía fue fundamental para su desarrollo armónico. Monk le enseñó a pensar el instrumento de forma no lineal, instruyéndolo en el uso de multifónicos y expandiendo su visión sobre las progresiones de acordes. El músico que entró al estudio a grabar Blue Train era, por tanto, un instrumentista en estado de gracia: poseía una velocidad de ejecución física y conceptual que la crítica especializada bautizaría poco después como "sábanas de sonido" (sheets of sound).


El pacto de caballeros: Las circunstancias del lanzamiento


Blue Train ocupa un lugar singular y único en la discografía de su autor debido a un cruce de contratos y lealtades. Para 1957, Coltrane ya había firmado un acuerdo de exclusividad con el sello Prestige Records. Sin embargo, meses antes, en los días más oscuros de su adicción, el saxofonista se había acercado a Alfred Lion, cofundador de Blue Note Records, para solicitar un adelanto financiero, comprometiéndose verbalmente a grabar un disco para su compañía en el futuro.

Una vez consolidada su sobriedad y alcanzada la madurez con Monk, Coltrane decidió honrar su palabra. Negoció un permiso especial con Prestige para realizar una única sesión como líder para Blue Note. Él mismo se encargó de seleccionar al personal, diseñar la instrumentación y componer casi la totalidad del repertorio. De este modo, Blue Train (catalogado como Blue Note 1577) se convirtió en el único álbum de toda su carrera concebido y liderado directamente para la discográfica de Alfred Lion y Francis Wolff.


La acústica de Hackensack: Rasgos estilísticos, producción y sonido


El sonido de Blue Train está íntimamente ligado a la ingeniería de Rudy Van Gelder y a su mítico estudio doméstico en Hackensack, Nueva Jersey. La producción de Blue Note en este periodo huía del sonido plano o excesivamente seco de otros sellos de la época; Van Gelder lograba una captura caracterizada por una presencia física inmediata y una notable calidez tonal.

En el álbum, el contrabajo posee una definición profunda pero nítida, la batería muestra un brillo metálico y texturizado en los platillos que nunca llega a saturar, y los metales suenan masivos, aprovechando la sutil reverberación natural del espacio.

Estilísticamente, el disco se desmarca de las habituales "sesiones de soplado" (blowing sessions) comunes en la época —donde los músicos simplemente se reunían a improvisar sobre estándares sin preparación previa—. Blue Note tenía la política de pagar a los músicos por los días de ensayo previos a la grabación. Esta inversión económica se traduce en un sonido de una cohesión formal superior: los ataques de los metales son limpios, las transiciones están medidas y la improvisación se despliega sobre una red de seguridad sonora sumamente cuidada.


El bloque de bronce: Arreglos e instrumentación


Para esta sesión, Coltrane optó por una configuración de sexteto, añadiendo un tercer metal a la línea frontal típica del quinteto de la época. La instrumentación quedó definida de la siguiente manera:


Línea frontal: Saxo tenor, trompeta y trombón.

Sección rítmica: Piano, contrabajo y batería.


Esta decisión otorgó al álbum un peso casi orquestal, una densidad tonal media-grave que evocaba la potencia de una pequeña big band. Los arreglos, estructurados por el propio Coltrane, se basan en combinaciones armónicas abiertas donde los tres metales actúan en bloque durante la exposición de los temas. El trombón funciona como un ancla en el registro bajo, la trompeta corta el aire en las frecuencias agudas y el saxo tenor cabalga en el centro de la mezcla. Esto permite que los temas tengan un aire coral, majestuoso y oscuro, sirviendo como el marco perfecto para el posterior desarrollo individual de los solistas.


El elenco del rigor: Desempeño de los artistas involucrados


Lejos de responder a una improvisación azarosa, el ensamble reunido por Coltrane responde a una cuidadosa selección de talentos que se encontraban en puntos determinantes de sus respectivas carreras, un desempeño que la historiografía del jazz ha documentado y verificado con precisión:


Lee Morgan (trompeta): Con apenas 19 años de edad, Morgan ofrece un desempeño de una madurez técnica asombrosa. Su fraseo es insolente, brillante y de una articulación impecable, demostrando ser el heredero directo de la escuela de Clifford Brown pero con un filo urbano propio.

Curtis Fuller (trombón): Fuller evita la pesadez y las limitaciones históricas del trombón de varas en el bop acelerado. Su ejecución es ágil, limpia y dialoga en perfecta simetría matemática con las líneas de Morgan y Coltrane.

Kenny Drew (piano): Drew funciona como el balance armónico del grupo. Su estilo combina el lirismo del blues de raíz con un desarrollo formal europeo, aportando un acompañamiento sobrio que nunca satura el espacio de los solistas.

Paul Chambers (contrabajo) y Philly Joe Jones (batería): Tomados prestados del quinteto de Miles Davis, constituían la sección rítmica más sólida del periodo. Chambers ofrece un pulso granítico, un avance caminante (walking bass) de una afinación y estabilidad definitivas, mientras que Jones puntúa la sesión con sus característicos golpes de aro y una síncopa elástica que empuja constantemente a los metales a expandir sus límites.


La evolución del líder: Comparativa discográfica


Para calibrar el desarrollo estilístico de Coltrane en este periodo clave, es sumamente útil contrastar Blue Train con las obras inmediatamente anterior y posterior de su catálogo personal.


El paso previo: Coltrane (First Trane, Prestige, grabado en mayo de 1957)


Ambos trabajos utilizan una línea frontal de tres metales (en First Trane participan Johnny Splawn en trompeta y Sahib Shihab en saxo barítono) y exploran el lenguaje del hard bop anclado en el blues. Pero First Trane es un documento de transición, grabado semanas después de su salida del grupo de Miles y en los albores de su sobriedad; los arreglos son menos unificados, la selección de temas depende más de los estándares tradicionales del sello Prestige y la ejecución de Coltrane, aunque potente, carece de la dirección y la solidez compositiva que exhibiría meses después en Blue Note, donde firmó cuatro de las cinco piezas del álbum.


El paso posterior: John Coltrane with the Red Garland Trio (Traneing In, Prestige, grabado en agosto de 1957)


Registran exactamente el mismo periodo de ebullición técnica y claridad conceptual del músico tras su purificación física. No obstante, al tratarse de una configuración de cuarteto (saxo y sección rítmica), el espacio acústico cambia por completo. Sin la densidad de la masa de metales de Blue Train, Coltrane se ve obligado a asumir todo el peso armónico de la vanguardia melódica. El piano de Red Garland, caracterizado por sus sutiles acordes en bloque, le ofrece un colchón mucho más ligero y fluido que el de Kenny Drew, permitiendo que los solos de Coltrane en este disco sean más extensos, sinuosos y puramente exploratorios.


Los senderos bifurcados: El destino de los músicos


Tras la publicación de Blue Train en enero de 1958, las trayectorias de los integrantes de la sesión confirmaron el gran ojo estratégico de Coltrane para aglutinar talento. Lee Morgan se convirtió en uno de los pilares indiscutibles de Blue Note Records, liderando sesiones definitivas y alcanzando un enorme impacto artístico con The Sidewinder (1963), antes de su trágica muerte en 1972. Curtis Fuller pasó a formar parte de los Jazz Messengers de Art Blakey, consolidándose como el trombonista de referencia del sonido hard bop de los sesenta. Kenny Drew optó por la emigración a Europa a principios de la década de los sesenta, radicándose en Copenhague, donde se transformó en la figura central del jazz del continente desde el club Montmartre. Paul Chambers y Philly Joe Jones regresaron de lleno a la disciplina de Miles Davis, apuntalando obras históricas de la transición al jazz modal como Milestones (1958) y, en el caso de Chambers, el seminal Kind of Blue (1959). Ambos padecieron problemas crónicos de salud, falleciendo en 1969 y 1985, respectivamente.


En el espejo de su tiempo: Comparación con obras coetáneas


Para ubicar la propuesta de Blue Train dentro de la constelación del hard bop y la vanguardia de finales de los cincuenta, resulta ilustrativo contrastarlo con cuatro álbumes referenciales de su misma época.

Mientras que Blue Train se erige sobre una matriz de hard bop de alta costura estructural concebida para un sexteto de densidad media-grave, buscando el equilibrio entre la precisión de los arreglos y la velocidad de acumulación de notas, otras producciones contemporáneas ensayaban rumbos estéticos e instrumentales muy diversos.

Por un lado, Somethin' Else (1958), liderado por el saxofonista Cannonball Adderley en formato de quinteto y con Miles Davis como acompañante de lujo, apuesta por un hard bop refinado y lírico, provisto de giros hacia un blues elegante. En este álbum prima un espacio amplio y aireado que prioriza la melodía cantable, la sofisticación del aire entre notas y los primeros atisbos del pensamiento modal.

En un terreno mucho más rupturista se sitúa Monk's Music (1957) de Thelonious Monk. Este trabajo en septeto, donde participan tanto un joven Coltrane como el veterano Coleman Hawkins, se instala de lleno en un bop deconstructivo, angular y marcadamente experimental; la propuesta de Monk se muestra obsesionada con la disonancia armónica, el uso del silencio con valor rítmico implícito y la quiebra absoluta de la métrica tradicional.

En el extremo de la ejecución puramente física encontramos The Little Giant (1959) de Johnny Griffin. Configurado a través de un denso ensamble entre el sexteto y el septeto de corte clásico, Griffin despliega un hard bop volcánico, pirotécnico y de alta velocidad lineal; su enfoque se concentra casi exclusivamente en la resistencia instrumental, la velocidad de soplado y la exhibición de un virtuosismo técnico tradicional apabullante.

Finalmente, la perspectiva se abre hacia las raíces populares con Ray Charles Presents David Newman Fathead (1959), un registro que introduce una vertiente de soul-jazz primitivo y rhythm and blues de marcado carácter urbano y sureño. Apoyado por la sección rítmica de la propia banda de Ray Charles, este formato de ensamble pequeño se distancia de las complejidades académicas o las abstracciones neoyorquinas para dar primacía absoluta al groove bailable, la sencillez en las estructuras armónicas y una emotividad directa heredada de las iglesias negras y el gospel.

El cordón umbilical que une a estas cinco producciones es el Blues como matriz lingüística y de resistencia cultural. Ninguno de estos discos, por más abstracto o experimental que pretenda ser (como el caso de Monk), se desentiende de la escala de blues, de la expresividad del grito afroamericano ni de la estructura de llamada y respuesta. Todos ellos operarían como una reafirmación del pulso físico y la herencia de la música negra de cara a la creciente sofisticación o blanqueamiento del mercado del jazz.

Su gran diversidad radica en la intencionalidad del espacio armónico y la dirección del tiempo. David Newman utiliza la armonía para consolidar el baile y la tradición del groove directo; Johnny Griffin la utiliza como una autopista lineal para demostrar velocidad de ejecución; Thelonious Monk la fragmenta mediante intervalos incómodos que detienen el flujo del tiempo; Cannonball Adderley la ablanda para buscar un lirismo sofisticado; y John Coltrane en Blue Train utiliza la estructura para ensayar la acumulación vertical de acordes, preparando el terreno para su futura saturación.


La imagen del silencio: El soporte visual como traducción estética


Blue Train cuenta con uno de los soportes visuales más influyentes en la historia de la cultura popular: su icónica portada.

La fotografía fue capturada por Francis Wolff en los estudios de Hackensack durante la sesión de grabación. Wolff, utilizando una iluminación de alto contraste, capturó a Coltrane en un plano medio corto, bañado en un claroscuro denso. El saxofonista aparece con lo que parece una caña de repuesto apoyada en los labios pero sin emitir sonido, con la mano izquierda sosteniendo el mentón y la mirada completamente perdida en el vacío del pensamiento.

El diseñador gráfico de cabecera del sello, Reid Miles, tomó esta fotografía, le aplicó un tinte azul monocromático y dispuso una tipografía sans-serif sobria en la parte superior. Esta carátula no funcionaba como un mero adorno comercial; operaba como una traducción visual exacta de la música interior: una representación del rigor intelectual, la melancolía del blues y la profunda concentración espiritual de un músico en proceso de redención.


El factor invisible: El ensayo pagado como declaración técnica


Un punto fundamental que suele omitirse en el análisis de este álbum es la dimensión laboral de la grabación. Como se mencionó previamente, Alfred Lion pagaba a los músicos por ensayar los días anteriores a la sesión de estudio. En el contexto precario del jazz de los cincuenta, esto era una anomalía absoluta.

El resultado de esta política económica es lo que diferencia a Blue Train del resto de la producción contemporánea de Coltrane para otros sellos: el disco suena coordinado porque realmente hubo tiempo para madurar las dinámicas de grupo. Las entradas al unísono de los metales, los fondos sutiles que los instrumentos de viento tejen detrás de los solos del piano o la precisión con la que Paul Chambers realiza la transición del arco al contrabajo son la consecuencia directa de un entorno de trabajo que privilegiaba la excelencia por encima de la inmediatez comercial.


La consolidación del líder: Trascendencia en la carrera de Coltrane


La importancia de Blue Train dentro del itinerario personal de John Coltrane es inmensa. En una entrevista concedida en 1960, el propio saxofonista declaró que, de toda su producción como líder hasta ese momento, este era su álbum predilecto.

El disco constituyó la prueba de fuego de que era capaz de comandar una sesión de gran envergadura conceptual fuera de la sombra protectora de Miles Davis o de la tutela intelectual de Thelonious Monk. Cuatro de las composiciones llevan su firma, consolidándolo no sólo como un instrumentista de vanguardia, sino como un compositor estructuralmente robusto capaz de diseñar un sonido de conjunto distintivo y perdurable.


El canon de bronce: Aporte y trascendencia en el jazz


Dentro del desarrollo histórico del jazz, Blue Train quedó establecido como el manual de estilo definitivo para el formato de sexteto dentro del hard bop. Demostró cómo se podía equilibrar el poder de fuego de una sección de metales densa con la soltura y la flexibilidad de una sección rítmica elástica.

Asimismo, piezas como "Moment's Notice" introdujeron sustituciones armónicas y progresiones de acordes sumamente complejas que desafiaron a las generaciones venideras de instrumentistas, sirviendo como el puente directo hacia las investigaciones de geometría armónica simétrica que Coltrane sistematizaría un par de años después en su histórico Giant Steps (1960).


Veredicto crítico: Clasificación en la escala de esta columna


Le otorgo a este álbum la calificación de #Esencial.

Blue Train no recibe esta etiqueta por una veneración nostálgica del canon o por el mito romántico del artista redimido. Es una obra de obligada referencia porque funciona como la piedra angular que sostiene el puente de transición entre dos eras del jazz: la culminación del bop tradicional y el nacimiento de las vanguardias modales y libres de los años sesenta.

Sin la simetría, el orden físico y la purificación técnica alcanzados en esta sesión de Blue Note, el posterior desborde místico y formal de las últimas etapas de John Coltrane carecería del cimiento que lo hizo universal. Es el mapa detallado de un hombre que aprendió a dominar la estructura a la perfección, justo antes de tomar la decisión histórica de romperla.

John Coltrane – Blue Train (1958)


•Estados Unidos


•Hard Bop


•Esencial


Músicos


•John Coltrane: saxofón tenor

•Paul Chambers: contrabajo

•Kenny Drew: piano

•Curtis Fuller: trombón

•Philly Joe Jones: batería

•Lee Morgan: trompeta


Si quieres escucharlo, toca el enlace: https://t.me/maticesdeljazz/753

Doce poemas de José Pulido

Ilustración: Edgar Ramón Porras Toledo 


1.


Estrenar zapatos 


Nos compraron zapatos negros azabache

Y de una vez mi hermano y yo necesitábamos 

una pequeña lata mágica de betún

zapatos de cuero de un toro negro muerto por la tarde

gracias, torero, por estos zapatos 

nosotros mismos les sacaremos brillo 

por esa razón no fuimos limpiabotas

sería humillante que otros limpiaran 

nuestros zapatos que parecían de reclutas


El día que nos dijeron mídanse esos zapatos

y los sacaron de sus cajas

nos pusimos los zapatos enfermos de alegría

a mi herrmano les quedaban estrechos

a mí me apretaban como trampas

pero dijimos que estaban perfectos

porque si no había tallas idóneas

nos quedaríamos sin los que salieron de las cajas

con olor a nuevos


El domingo los estrenamos

fuimos a la plaza

y en la tarde cuando regresamos

nos reventamos hinchadas ampollas en los talones

muy a escondidas para que mamá

no se diera cuenta

era un pobre dolor

el toro negro se está vengando, dijo mi hermano

es una venganza muy baja, dije yo


2.


¿Quién mató al amor?


Un perro perseguía carros

el tiempo iba y venía incontrolable

el amor trataba de practicar su arte 

al margen de las horas 


El tiempo se aceleraba pulverizando ruinas

el humo de los carros hacía que el perro

se alterara más, enrojecían sus ojos,

los meses pasaban como un tren 

y de repente, la aguja más larga, el minutero,

se desprendió y se clavó en el pecho

del amor, durante el instante que deseó entender

la desazón del perro ante las máquinas


Mataron al amor. 

Sí: parecía un niño,

un querubín con alas 

Llegó el detective revisando todo

con guantes de látex (azules)

preguntó a la arteria si había vida

una formalidad

El amor permanecía desangrado

a causa de la flecha clavada en su pecho

el detective buscó el arco supuestamente tenso

por todas partes: y no lo encontró


3.


Las órdenes de la luz


Después de la oscuridad del nacimiento

el humano se encandila con la luz 

y la luz le da órdenes

al crecer se aisla sin madre alimenticia

y asume la capacidad de crear, inventar

como animal evolucionado 

devenido en pensamiento 


Piensa en un orgasmo

Piensa en jamón serrano

Piensa en una moneda de oro

Piensa en antibióticos

Piensa que la abertura sonrosada

está en la fresa, en la caracola,

en la orquídea, esté dónde esté

es una herida inmortal 

 

Consumir lo existente 

con una voracidad en los sentidos

arriesgándose al placer 

cada posibilidad es acción de vida 

en el ámbito de la luz

vida disfrutada a ratos, atropelladamente

porque retornar a la oscuridad se hará 

sin la estructura que servía para todo

sin el cuerpo es imposible saborear el entorno


Quiero decir que nos convertiremos en chispas

tan diminutas, tan invisibles

y no saber hacia dónde irán esas partículas 

sobrepasa las responsabilidades 

todos los oráculos disponibles estarían

en el lado contrario de lo que ha logrado la muerte


4.


Soneto rezado


Cerro piadoso, señor de la piedad

misericordia de la lengua 

alguna vez la barca del viento

será para nosotros


Vulva de Afrodita ampáranos 

Vulva de Helena tumba de todos

Ropa de nubes inspirada en infiernos 

Ropa de relámpagos para soportar el frío 


Protégenos de nuestras ilusiones

permite que descansemos en la inmensidad

de nuestra ignorancia perfeccionada


Guarda algo de felicidad para un día cualquiera

que durante unas horas tengamos alegría

como si la alegría nos habitara y nos quisiera


5.


Ayer estaba aquí


El pasado era una procesión de trabajos

Orar, hablar, desear,

escarbar en cada oficio buscándole la gracia a la rutina

pero mi mente lo asumía de manera distinta

hoy puedo decirte que estoy lleno y no me vaciaré

soy un cuarto de guardar objetos inútiles imprescindibles 

junto con un mediodía donde reinaba la radio

junto con amorosas recriminaciones que ya no están

pasan eternamente los días dulzones que fueron una escoba

de barrer abuelas y abuelos, 

tarjetas de bautismo, maestras y madrinas 

y nadie reclamaba el trato de ser como basura celestial

 

Ya no percibías la temporada de quitarle los huevos a las iguanas

de buscar agua en un jaguey y comprar telas por cuotas

ni siquiera fue el momento de saber que existía Rimbaud

solo permanecía el vulgar y rico embrujo de las conservas de coco 

del mar de las Antillas

y situaciones similares a ver tejiendo atarrayas en un aglomerado 

resplandor


Había ríos también y promesas de amor abigarradas

juramentos ardorosos para tener después alguna cicatriz

pero se extinguieron los pálpitos ingenuos


De vez en cuando uno veía a un difunto 

recogiendo sus pasos

y uno preguntaba turbiamente ¿cómo le va?

y el difunto apenas hacía una seña que significaba

en nuestro lenguaje pueblerino “regular”


6.


Más olvido


Casi nunca recuerda dónde vive 

y pasa días sin cambiarse la ropa.

No sabe si ha bebido agua o si tiene sed.

Pensé que los enfermos solo se olvidaban

de lo que habían hecho ayer o antier.

Hoy me preguntó por qué tengo su ropa en mi armario 

y le conté que soy su esposa.

¿Así de mal está?

Se puso a llorar y me dijo “no quiero casarme, no quiero casarme”


7.


No lo dan de alta


Te dijo que sentía dulzuras desgraciadas: 

aunque no lo van a dar de alta se veía contento

de saberlo


¿Qué dulzuras ni qué dulzuras 

podían entronizarse en su pobreza?

el nido en el techo de la casa

sembrar cebollas y que broten 

sembrar matas para adornar 

consultando a la luna menguante.

Cierto beneficio amoroso

cuando le ponía vinagre en la cabeza

para espantar los piojos


Había flores en algún suelo y un nido arriba

siempre hay un escenario que va con el amor

y un ambiente que lo aturde,

pero todo estriba en saber 

que el amor se mueve para atrás y para adelante 

y cuando va a morir no lo detiene nadie

 

Recordar los roces de ella en la desordenada geometría

es apenas similar a escuchar unas alas

que han quedado atrapadas

en el viento sombrío 


Estaban repitiendo “Señor, ten piedad”

cuando el sufrimiento sin enfermedad 

le aplastó con aquel dolor terrorífico

de que se cayera el nido y ella se angustiara

y le gritara; el dolor de que no haya sido importante

vivir en la misma casa encariñados 

con los mismos animales y de repente su alma 

inventara viaje anochecido sin llamarlo y decirle

mañana tienes que hacer esto y aquello


8.


Planes frustrados


Este domingo voy a misa, dije

y me distraje viendo fútbol

y me distraje buscando un libro que se me perdió

hasta quién sabe cuándo


Las golondrinas se creían polillas

sin rumbo definido: se venían contra ellas

y se iban contra toda mirada vacía disponible

cruzando geometrías temerarias

y los gatos pendientes

te estoy viendo le dije

a manera de advertencia a uno de los gatos

el más vecino de nosotros

el esponjoso amarillo y negro

(ni siquiera se dignó responder

con uno de sus gestos despectivos

rencor de tigre que perdió el tamaño)

las golondrinas saben

que abundan miradas cazadoras

en el plano bajo y se regocijan en lo alto

donde el hambre que se calma es otra


9.


Relación de canto


El canto es mi esencia, soy el cauce de un canto

elaborado por una prolongación de gargantas anteriores

pongo mi garganta para que duelan las extrañas notas

canto para que sientan más que yo


Hora de secarme como el rosal de mi madre

dejar espinas al aire sin querer y sin avisar: cuidado con las espinas

como un gavilán flotando hambriento sin querer

canto como hijo que ya no es

como hombre diseminado en un gavilán que el cielo incluye

cuidado con las garras

saetas que se hundían en blandas carnes

Muy mucho en el éxodo recordando ando

 

Cuando estuve en lo alto de la vida

idolatraba escuetamente

lo mejor de los seres humanos

a través de la música y aquel costal de sentimientos

untados en papiros que descubría como si fuera

algo delicioso y prohibido

hasta entender que en los libros se esconde

un universo paralelo que inventó el espejo


Eres un personaje primitivo

cuando te miras en el espejo de los libros

el truco para cambiar es mirarse muchas veces

(sin parpadear)


10.


Asunto aclarado 


Asunto aclarado: el sol entra 

y también rebota

desde la transparencia hacia las hojas

de tonos verdes móviles

y de nuevo cae buscando alucinadas formas

hasta convertir el agua en fotografía

 

En la orilla de un lago

mi perro encontró su amor

se apasionaba con el agua

persiguiendo reflejos

y se miraba creyendo que era ella

le aclaré: esa no es tu alma gemela

eres tú, estás aquí conmigo, el lago

se ocupa de calcar el cielo

y no estás en el cielo

eres mi amigo de tierra firme

dije todo eso y no parecía comprender

corría y jugaba

con su imagen y entonces recordé

que cuando era cachorro me dijeron

ese cachorro se parece más a la madre

que los demás cachorros


11.


La llamada


Atrapado en un autobús

lleno de paseantes

suena un teléfono

con la música de Sabor a mí

tengo un oído petrificado

y creo que suena lejos

un joven me mira y dice

es su teléfono, señor

entonces lo busco apresurado

en el bolsillo de la chaqueta

estoy colgado de un travesaño

debo hacer maromas

cuando respondo la llamada

es la grabación de una señorita

que trata de venderme

una luna de miel y un viaje de bodas

en Milán donde habrá

una fabulosa exposición 

de vestidos para el otoño


12.


Diálogo jamás recuperado


Te estoy viendo, decía.

Ella respondía desenfocada: yo también

Su cara difuminada en seda y ojos redondos de muñeca

se acercaba

y él no retrocedía porque disfrutaba

representando a los canarios de la jaula

que hubo en su casa

se agarraban en color vertical de los alambres

querían volar: escrutaban en lo infinito

la dirección del vuelo


y entonces dijo

“estoy escuchando”

porque ellos cantaban a ciertas horas

y ella -que no era pájaro- respondió

“siempre canto” creyendo que él la había escuchado

tarareando una canción de la iglesia

incómoda para ser bailada y repitió

“siempre canto cuando pienso en mi pueblo”


Y él se interesó: ¿cantaban en tu pueblo?


Ella no hablaba de pájaros, él sí

¿y en tu pueblo había música? preguntó ella

y él respondió que sí había:

pájaros especialmente amarillos y azules


En un rato vengo a ponerte la inyección informó ella

sin negar dulzura

y él se quedó con muchos deseos de cantar bonito

con finura y pico de plata, con voz de sol alimentado de alas

si supiera

Lecciones que deja Un poeta al cine venezolano

-Miguel Guédez-


La reciente película colombiana, Un poeta, no solamente destaca por el acierto del protagonista para un papel tan complejo y lleno de matices, sino que el film se sustenta en un guion que revela un nivel de análisis y comprensión de la sociedad en la que se desenvuelve la historia.

Pero para entender Un poeta, tenemos que viajar un poco en el tiempo y revisar las virtudes que nos dejó para la historia del cine el Neorrealismo italiano. El protagonista de Ladrón de bicicletas fue un hombre simple, de pueblo y no actor, aunque en un principio a Victtorio De Sica le propusieron trabajar con actores de renombre, él rehusó las propuestas, porque sabía que el rostro que daría la talla de la tragedia popular de la postguerra, debía hallarlo entre la gente común que más había sufrido, era un rostro que ya estaba configurado por las carencias y que no debía sobreactuar para dar con la emoción, el despojo y la miseria, pero conservando lo más frágil, a pesar de todo, la honestidad, el honor y la humildad inherente a su clase.

Fellini también nos dejó una anécdota interesante para la construcción de personajes realistas, en La Strada, con la búsqueda de la chaqueta de Zampanó. El productor le llevaba chaquetas todos los días para su protagonista, Anthony Quinn, pero Fellini las rechazaba por ser muy nuevas, o de estilos muy refinados, y el personaje era un cirquero nómada que viajaba de pueblo en pueblo, por lo que la prenda debía ser cónsona con esa vida desgastante. Hasta que un día iban por la calle y se consiguieron a un campesino que llevaba una chaqueta llevada por el sol y el trabajo duro, y Fellini no dudo en que había conseguido la prenda ideal. El campesino no la quería vender porque era su atuendo de toda la vida, así que el director tuvo que redoblar la oferta para conseguirla. 

Estos pequeños detalles, entre muchísimos otros, que nos ha legado el Neorrealismo italiano están presentes en Un poeta, una película de bajo presupuesto latinoamericana, pero con un gran acierto en la historia, en la construcción del personaje y en configuración del universo del mismo.

¿Qué es el arte sino un continuo tomar riesgos sobre la marcha? Bien sabemos que la repetición de fórmulas consabidas y manidas no llevan sino a la postura acomodaticia del realizador y a la complacencia del público. Tomar riesgos significa abrir el compás a un conjunto de posibilidades expresivas, que son infinitas, por cierto, más aún en Latinoamerica donde está todo por contar, y salir del molde que impone la industria. A todos nos gusta Un poeta, la película, pero pocos serían capaces de tenerlo como amigo en la vida real, porque estos personajes existen. ¿Qué arriesgamos al hacer una película? ¿Hasta dónde somos capaces de llegar, en términos creativos me refiero? 

Un poeta es mucho más que un personaje disímil, que no encaja, cuestionado en su vida personal y profesional, pero auténtico hasta la muerte, hasta la médula y es esa franqueza del personaje la que nos conmueve, la que nos hace interesarnos por su desdicha. Esto sumado a la radiografía social que hace el director de la sociedad colombiana, las familias populares y los círculos de poetas que representan pequeños feudos de poder. Entonces, entender el film, es conectar con un universo sumamente analizado y pensado desde un inicio, para dar como resultado este hermoso y complejo entramado histórico que hoy nos conmueve.

En Venezuela nos falta tomar esos riesgos. Este es un país lleno de personajes vitales, complejos e indescifrables a primera vista, pero que, si nos tomamos el tiempo de hacer la tarea, y de penetrar acuciosamente en nuestra realidad, vamos a descubrir un mundo fascinante por contar, un mundo distante y alejado de los clichés en los que han encasillado al cine venezolano por décadas y del que solo algunos pocos cineastas, en sus momentos de destello, han logrado librarse de ello. Compañero de viaje, País portátil, El iluminado, Jericó, Diles que no me maten, El Amparo, son buenos ejemplos de una interpretación del país desde una óptica sincera, con personajes auténticos, no provenientes de una telenovela o de la vulgarización estandarizada del cine. Estas obras han sido el reflejo de una sociedad y de unos personajes que aún laten en las calles, en los barrios, en el campo y en los pueblos. Obras que nos han permitido entendernos en nuestras contradicciones, como Un poeta, que habita en la mayor de las desavenencias sociales e internas.

Hay un camino de posibilidades demostrado históricamente que ha dejado su huella en el cine nacional, y que nos demuestra que un cine distinto al impuesto por los grandes mercados es posible. Queda de parte de los realizadores proponerse o no, abocarse o no, a indagar, investigar e ir más allá de los convencionalismos. Un poeta demostró al mundo y a Latinoamérica que las posibilidades del cine son abismales, que las historias y los personajes diferentes están ahí frente a nosotros todos los días, pero, ¿será que no los queremos ver o qué nos lo impide?


Puedes disfrutar de la película Un poeta (2025) haciendo click en el siguiente enlace: http://ok.ru/video/12539528415820

miércoles, 27 de mayo de 2026

Doce poemas de Rafael Ortega


Título: Abran la jaula (2024)

De la serie: Maderamen Twitter - desde mi pajarera

Autor: Argelio Martínez


1.


Arte poética


Lanzo las palabras

contra la pared

para que hagan ruido


Algunas veces rebotan

y me golpean en la cara

Yo pongo la otra mejilla


2.


Arte poética II


Cortante

como una hoja de papel

rasgo tus ojos cautivos


Te atrapo y te lanzo

al torbellino de pasiones absurdas

que habita dentro de mi cuerpo


3.


Este bendito lugar


Este bendito lugar es mi refugio

desde aquí se mira lejos

y mientras más lejos se mira

más cerca se ven los elementos


Este bendito lugar sirve para despedazarse

donde se puede ser un pájaro en desgracia

donde se vuelve a la inocencia


Donde el amor se pasea

como un niño perdido en el bosque


4.


Ave


Rompes el silencio del viento

con tu danza celestial

mientras el sol acaricia

tus plumas doradas


La libertad será siempre tu emblema.

Bajo el manto del misticismo,

desde lo alto observas el mundo

con mirada audaz y luminosa


Tu espíritu salvaje jamás se engaña

Águila, símbolo de nobleza,

eres poesía viva

que surca el horizonte


5.

a S.B.


 ENTRO Y SALGO

a placer del tacto

cada vez que siento

la necesidad de poseerte

como un trofeo de caza

como un cazador furtivo

que contempla tus espasmos

de animal huraño

Inmerso

en la humedad de tu deseo


6.


¡Por favor, no me inviten!

 

El tiempo de los poetas menores se acerca

Charles Simic


No me convoquen

a coloquios de poetas

¡Por favor,

no me inviten!


Yo no sé decir:

¡Qué grande eres, poeta!

ni me desvivo

entre versos panegíricos


Yo te leo, tú me lees,

él nos lee, nosotros nos leemos,

vosotros nos admiraréis y ellos también


Tampoco sé cómo acicalar

egos hambrientos de brillo

ni emular las antiguas

prácticas de alabanza


Apartada de ostentaciones

está mi morada

cerca del torrente sanguíneo

de la realidad urbana


Lejos, muy lejos,

de cuerpos acólitos

materias sumisas

y prodigios de papel


7.


Sacerdotisa del verbo


a Skarlet Boguier


Un día delirante bastó para matar,

de una sola puñalada,

todo resto de cordura.

Musa embriagada de luz,

sacerdotisa del verbo, corazón de obsidiana,

en mis dedos guardo la savia de tu materia.


Como rocas de magma ancestral creamos memoria en el sonido

somos almas que comparten los mismos latidos

y escapan hacia la ciudad de la subversión.


Estaré allí como el ave que bate sus alas al sol

y los gatos que aguardan tu llegada

para luego afrontar esta vida llena de tiempo.


8.


Mis razones


a César León


Porque no compito con nadie

porque me siento nadie


Porque soy como una daga oxidada

enterrada en el ojo del huracán


Porque siempre llego tarde

a la repartición de almas y corazones


Porque siento que estoy de más

cuando de verdad estoy de sobra


Porque no tengo dinero ni nada que dar

con el permiso de Juan Gabriel


Porque colgué los guantes

sin haber peleado un solo round


Porque es de humanos errar,

caer y levantarse


He decidido bajar tranquilo al sepulcro

con el permiso de Bolívar.


9.


Maracay’s blues


a Aly Pérez


Un día feriado en Maracay parece un blues

La guitarra de Roy Buchanan

chilla como las putas de Octavio Paz


Mientras Stevie Ray Vaughan demuestra ser el mejor,

Gary Moore recorre las calles parisinas con sus dedos

Y Jeff Hailey se esfuerza por ver la luz


Mi ciudad huele a otra ciudad

A una ciudad desmembrada

donde miro rostros pateados por la miseria


El hambre talla las costillas

como el deseo que se ha ido

Ya lo dijo B.B. King


10.


HOY DESPERTÉ con la noticia de tu partida

Y el día se me hizo tan triste y azul

como el gato de aquella canción

que siempre escuchabas

mientras te alistabas

para ir al colegio cada mañana


Así te recordaré siempre

vestida de uniforme y moño en el pelo

barriendo y trapeando la casa

como una niña grande

que se jugaba la vida por ser mujer


De capa caída afronto tu ausencia

Y salgo a la calle agitando mis alas rotas

para espantar la mala jugada de la muerte

que se adelantó a tu deseo de volver a casa


a Eglée Coromoto (Caracas, Venezuela, 1953 – Santiago de Chile, 2018)

 

11.


Réquiem


a Julia Elena Rial


Algunas veces me pregunto

¿cómo me encontrará la muerte?


¿Me hallará de pie?

como un árbol viejo

débil y desvalido

desnudo de alma


¿O estaré acostado?

sobre un lecho de espumas

Inmerso en mi vanidad

como un adicto en su vicio


¿Quién se encargará de guiar mi vuelo?

O, tal vez, mi caída

¿Pasaré a un estado más elevado?


No puedo saberlo todo

en este espacio que habitamos

y se está quedando solo


 12.


Salto al vacío


a Manuel Cabesa 


No se puede alcanzar las estrellas

sin antes saltar al vacío

poseídos por la lujuria de lo desconocido


Por eso, ven, corramos el riesgo

de quedar atrapados por nuestros deseos

Que los días nos queden tan cortos como los suspiros


Cerremos los ojos para que juntos

fundidos y ciegos

caigamos al vacío como aviones de papel

Ya no tendremos que dar la cara por nuestros errores

y salir al mundo a respirar hondo para volver a empezar


Seremos (sólo) un recuerdo que coleccionar

en las estanterías del olvido

No importa si retamos la inmortalidad


Dejaremos de ser lugares comunes

Y otros invocarán nuestros nombres

más allá de la frontera de la utopía


Por eso, ven, arriesguemos nuestra sangre

para sentir el calor del fuego

Que nos digan que estamos locos y nos miren de reojo

Seamos los raros, los que dan la nota,

los que siempre lo apuran todo

y siempre se ríen de ellos mismos


Vivamos sin certificados ni tarjetas,

sin máquinas expendedoras ni envoltorios

Vivamos sin precio ni a sueldo de nada ni nadie


Con palabras vacías de juicio

sentenciemos la libertad plena

y juguemos con la inocencia de sentimientos ajenos

Y con la última sílaba muda del silencio sordo

tomemos por asalto la madrugada

con excusas frecuentes de la aurora

Por eso, ven, salta conmigo al abismo

Sin mirar hacia atrás lo menos posible

La gravedad no nos perdonará