Granos de sonido (X)

 

-Roberto Santana- 

Soberanía del oído: Por qué escuchar con atención es un acto revolucionario

"No se cambian nunca los modos musicales sin que cambien al mismo tiempo las más importantes leyes del Estado"

Platón

Pongámonos aquí y ahora ante la evidencia de un colapso que no se mide en desastres naturales, sino en decibelios y en frecuencias. Lo que hoy escuchamos en las listas de éxitos no es música, es un producto neuroquímico diseñado para una mente que ha renunciado a la profundidad. No estamos ante una simple cuestión de gustos generacionales, sino ante una involución cognitiva planificada que los expertos en psicología computacional ya denominan la homogeneización del espectro sonoro.

I. La partitura del desierto: El fin de la complejidad

Estamos presenciando la muerte de la melodía y el encierro de la lírica bajo una capa de auto-tune que no busca estética, sino corrección robótica para voces que sin el algoritmo no serían más que un residuo acústico mediocre. Si analizamos las listas de Spotify con un bisturí crítico, encontramos un panorama desolador donde la complejidad armónica ha sido sustituida por el loop infinito.

Un estudio masivo de la Universidad de Viena analizó más de medio millón de canciones y la conclusión es científica: la música se ha vuelto más simple, más ruidosa y drásticamente más pobre en vocabulario. Se ha detectado una reducción sistemática en la variedad de acordes. La música popular actual utiliza un 40% menos de variaciones tonales que la de los años 70.

II. Cronos en el algoritmo de la dopamina

La industria ya no busca artistas, busca activos financieros predecibles que encajen en lo que se conoce como la compresión de la sonoridad, una técnica que elimina los rangos dinámicos para que todo suene fuerte y plano, ideal para ser procesado por un cerebro en estado de vigilia pasiva. Esta degradación es el síntoma de una sociedad que ha perdido la capacidad de sostener el foco. Estamos en la era de los quince segundos. El algoritmo de TikTok ha reconfigurado la producción de dopamina en nuestro cerebro.

Si una pieza musical no nos ofrece un estímulo masivo en los primeros seis segundos, el cerebro ordena el scroll. Esto ha forzado a los productores a eliminar la introducción y el desarrollo, pasando directamente a un estribillo eterno diseñado como fondo de pantalla sonoro. No es música para ser escuchada, es música para ser consumida como una dosis de glucosa digital. Nos llena el momento, pero nos deja desnutridos.

III. El cemento de la pseudo-eventualidad

Theodor Adorno ya advirtió que la música se convertiría en "un cemento social que mantiene a las personas en su lugar". Él hablaba de la pseudo eventualidad, la sensación de que algo está pasando cuando en realidad sólo estamos escuchando la misma estructura de cuatro acordes repetida bajo un nuevo disfraz de marketing. Cuando la cultura se convierte en una línea de montaje, el arte muere. El público ya no exige calidad porque su paladar intelectual ha sido erosionado por una dieta constante de ultraprocesados auditivos.

Cuando el pensamiento crítico declina, la capacidad de procesar el pensamiento abstracto se desvanece, y con ella, la libertad real de elegir quiénes somos. Miremos a la neurobiología del analfabetismo musical. La música compleja activa áreas vinculadas a la resolución de problemas y la empatía profunda. La música simplificada de hoy, cargada de frecuencias graves monótonas y ritmos binarios, sólo activa el sistema límbico primario. Estamos involucionando hacia un estado de respuesta refleja.

IV. La castración del símbolo y la transparencia total

Esto no es una postura exquisitista, es una defensa de la estructura neuronal. Quien acepta música basura por pereza mental terminará aceptando un discurso político totalitario porque el mecanismo de filtro y discernimiento ha sido desactivado por el entretenimiento constante de baja intensidad. George Orwell explicó en su análisis del neolenguaje que, si no tienes palabras para expresar una idea, la idea deja de existir.

Al reducir la lírica a veinte palabras repetidas sobre sexo, consumo y narcisismo, estamos castrando nuestra capacidad emocional. Todo se resume a una pulsión básica que se ajusta a la lógica de la red social, donde el ego es el único centro de gravedad. Pero hay algo más oscuro: la desaparición de la metáfora. Las letras actuales son literales, descriptivas y crudas, eliminando el espacio para que el oyente interprete o piense por sí mismo.

Este fenómeno se vincula con lo que el filósofo Byung-Chul Han llama la sociedad de la transparencia: al ser todo tan obvio y directo se elimina el misterio. La música sin misterio es simplemente ruido organizado. Esta falta de abstracción nos está incapacitando para entender los matices de la realidad. Si nuestro cerebro no puede procesar una armonía compleja, tampoco podrá procesar una situación geopolítica compleja o un conflicto ético profundo.

V. El canario en la mina de la ética estética

Se está creando una generación de ciudadanos que son técnicamente competentes, pero estéticamente ciegos y emocionalmente planos. ¿Qué nos dice el éxito de artistas que no saben tocar ni una flauta? Nos dice que se ha separado el arte del esfuerzo. Se ha democratizado el acceso, pero destruyendo el estándar de calidad. Hoy la tecnología actúa como una máscara para la incompetencia; esto genera una sociedad de expertos sin conocimiento, donde la apariencia de talento sustituye a la maestría real.

Esta desconexión con la realidad técnica nos hace creer que todo es instantáneo, y cuando la vida real nos enfrenta con un desafío que no se soluciona con un filtro, el individuo colapsa. La música es el canario en la mina de la civilización. Friedrich Schiller decía que es a través de la belleza como se llega a la libertad. Si nos quitan la belleza real y nos dan un sustituto industrial, nos están quitando las herramientas para ser libres.

Una mente que no puede distinguir una armonía de Mozart de un patrón de batería programado por una inteligencia artificial es una mente que ha perdido su brújula ética. La estética y la ética siempre han ido de la mano. Una sociedad que no respeta la forma, pronto dejará de respetar el fondo de los derechos y la dignidad humana. Analicemos la obsolescencia programada del éxito. Hoy las canciones duran menos de tres minutos porque las plataformas pagan por reproducción, no por calidad.

VI. La domesticación por el ritmo

Esto ha acortado el tiempo de atención humana a niveles históricos. Estamos sufriendo una atención fragmentada que nos impide leer un libro de trescientas páginas, o seguir un razonamiento lógico extenso. La industria musical –como las de la publicidad y de las redes sociales– está entrenando al cerebro humano para que sea incapaz de concentrarse (y lo está logrando). Es una forma de domesticación masiva a través del ritmo. Quien controla el ritmo de una sociedad, controla su pulso vital y su capacidad de reacción.

La desaparición de la educación musical en las escuelas ha dejado al individuo indefenso ante los mercaderes del algoritmo. Sin herramientas para analizar lo que escuchamos, somos rehenes del marketing. La música popular de antaño, incluso la más simple, tenía puentes, cambios de tonalidad y letras con referencias literarias. Hoy eso se considera demasiado difícil para el consumidor promedio. Se está subestimando a la inteligencia de las personas hasta el punto de atrofiarla artificialmente.

VII. La insurrección de la escucha activa

La industria no nos da lo que queremos, nos da lo que es más barato de producir y más fácil de vender a una mente cansada. La verdadera resistencia consiste en reconquistar el silencio y la escucha activa. La escucha activa es un acto político. Sentarse a escuchar un álbum completo, sin distracciones, es una rebelión contra la economía de la atención, es reclamar nuestro tiempo y nuestra capacidad de asombro.

La tecnología debería estar al servicio de la expansión del talento, no de su simulación. El auto-tune es la cirugía estética del sonido, oculta la cicatriz pero mata la expresión. En la imperfección de la voz humana hay una verdad que ninguna máquina puede replicar. Esa verdad es la que nos conecta con los demás. Llegamos a la consecuencia más grave: la pérdida de la identidad cultural genuina. La música globalizada por algoritmos suena igual en Tokio que en Caracas o Nueva York.

VIII. La geografía de una nube sin alma

Se ha destruido la diversidad sonora en favor de una monocultura rentable. Al perder los sonidos propios perdemos nuestro vínculo con la tierra y con nuestra historia personal; nos convertimos en ciudadanos de una nube digital, sin raíces, fáciles de desplazar y de manipular. La música que no tiene lugar tampoco tiene alma. A este fenómeno se le suma la muerte del silencio creativo. Gilles Deleuze hablaba de las sociedades de control donde el ruido es constante para evitar que el individuo reflexione.

La actual música de cadena de montaje sonoro cumple esa función, es un ruido de fondo que llena cada espacio vacío. No se permite el silencio porque éste es el semillero de la insurrección. Una sociedad que no tolera el silencio es una sociedad que tiene miedo de lo que puede encontrar si se detiene a pensar. La industria ha aplicado el efecto de mera exposición. Nos llega a gustar una canción no porque es buena, sino porque la hemos escuchado mil veces por obligación algorítmica.

Se trata de un condicionamiento pavloviano; estamos perdiendo el libre albedrío estético. Si no somos capaces de rechazar lo mediocre, tampoco somos libres de elegir lo excelente. Esta deriva no es irreversible, pero requiere una voluntad activa de reconquista intelectual. Requiere que volvamos a los clásicos, que busquemos la disonancia, que nos expongamos a lo que no entendemos a la primera.

IX. La bofetada al espejismo de la complacencia

El arte verdadero no es un servicio al cliente, es una bofetada a la complacencia; si una pieza musical no nos transforma, si no nos hace dudar, si no nos obliga a crecer, entonces es sólo ruido de fondo. No permitamos más que dicten la banda sonora de nuestras vidas desde una oficina de datos en Silicon Valley. Recuperemos la soberanía de nuestro oído. La música es el pulso de una época. Si el pulso de nuestra época es plano y maquinal, es porque hemos permitido que la técnica devore al ser humano.

Heidegger advertía que el peligro de la tecnología es que nos obliga a ver todo como un recurso. La industria posmoderna ha convertido nuestra alma en un recurso para alimentar métricas de monetización. Pero el arte es siempre un riesgo, una herida, una pregunta. Lo que hoy se promueve masivamente en los circuitos digitales de la industria musical no tiene riesgo, tiene una garantía de retorno. Esa es la diferencia entre un artista y un producto.

X. El prólogo de una civilización ruidosa

El artista nos da lo que no sabíamos que necesitábamos, la industria nos da lo que sabe que vamos a comprar. Recuperar el criterio es recuperar la capacidad de juzgar la realidad. Exigir que un músico sepa música es un acto de respeto hacia la inteligencia humana. El declive de la calidad musical es el prólogo de una sociedad que ya no sabe cómo hablarse de una forma profunda. Si no recuperamos el control de nuestra relación con el sonido, seremos una civilización que sabe hacer ruido, pero que ha olvidado cómo cantar su existencia.

Es necesario cuestionar lo que escuchamos, porque lo que entra por nuestros oídos moldea las fronteras de nuestra imaginación. Si nuestra música es pequeña, nuestro mundo será pequeño. No nos conformemos con lo que nos dan. Busquemos lo que nos desafía. La excelencia es un camino solitario, pero es el único que lleva a la verdadera libertad. La verdadera revolución no será televisada ni subida a una red social, será el silencio de quien decide dejar de consumir basura para empezar a cultivar su propio espíritu.

XI. Termodinámica del espíritu: El vuelo en el vacío

Para profundizar en este abismo y salir de él lúcidos y libres, debemos entender el concepto de entropía cultural. La termodinámica nos enseña que los sistemas aislados tienden al desorden y a la pérdida de energía. Nuestra cultura musical está en un estado de máxima entropía. Todo suena igual, todo tiene la misma temperatura emocional, no hay momentos de genialidad porque el riesgo se considera un error de sistema.

Si eliminamos el esfuerzo de la ecuación artística –tanto para quien crea como para quien percibe el arte–, eliminamos la resistencia necesaria para que el espíritu humano se eleve. El arte sin resistencia es como un avión intentando volar en el vacío; no tiene dónde apoyarse para subir. Consideremos también la neuroplasticidad inversa. Así como aprender un instrumento expande la materia gris, el consumo pasivo de ritmos ultrasimplificados la contrae.

XII. El experimento de la gratificación inmediata

Se está realizando un experimento a escala global sobre qué sucede cuando millones de cerebros son sometidos a 128 pulsaciones por minuto durante diez horas al día. El resultado es la incapacidad de gestionar la demora en la gratificación. Queremos el estribillo ya, queremos la solución ya, queremos el éxito sin el ensayo. Esta es la raíz de la frustración moderna. La música clásica, el jazz o el rock progresivo enseñan paciencia. El pop algorítmico enseña impaciencia crónica.

He ahí el fenómeno de la música funcional. En la antigua Grecia la música era una de las cuatro ramas de las matemáticas y la astronomía. Se creía que las proporciones musicales reflejaban el orden del cosmos. Hoy una parte escandalosamente grande de la música se ha degradado a música de ascensor global. Se usa para aumentar la productividad en las oficinas, o para incentivar el consumo en los centros comerciales.

XIII. De las esferas celestes al hilo musical del supermercado

Hemos pasado de la música de las esferas a la música del supermercado. Esta profanación de lo sagrado tiene un coste: cuando nada es sagrado, nada tiene valor intrínseco; todo se vuelve desechable, incluyendo a los propios músicos, que son sustituidos por inteligencias artificiales que pueden generar diez mil canciones de relleno por segundo. La inteligencia artificial es el paso final en esta deshumanización.

Si un algoritmo puede componer una canción exitosa es porque hemos simplificado tanto nuestro gusto que nos hemos vuelto predecibles como máquinas. No es que la IA sea brillante, es que nosotros nos hemos vuelto mediocres. El desafío del futuro no será si las máquinas pueden sentir, sino si los humanos seguiremos siendo capaces de hacerlo. Si nos conformamos con la copia de una copia habremos renunciado a nuestra singularidad; recuperar el arte es recuperar la humanidad.

XIV. La supervivencia del espíritu y la nota imperfecta

No es una cuestión de elitismo, sino de la supervivencia del espíritu. Necesitamos volver a valorar el error humano, la nota que desafina por pasión, el ritmo que se acelera porque el corazón del baterista late más fuerte. Eso es lo que nos conecta. La "perfección" del auto-tune es la perfección de la muerte. No hay vida en la línea recta. La vida es curva, compleja y difícil. La libertad auditiva consiste en preferir la verdad que incomoda al ruido que anestesia.

La música producida masiva y algorítmicamente es el reflejo de un vacío que debemos llenar con consciencia. La escucha reflexiva y libre es un acto de subversión contra la dictadura de lo mediocre. Con ella cuestionamos, buscamos, descubrimos y, sobre todo, despertamos de la hipnosis del estribillo eterno.